Replay: Les caméras à grand capteur d’aujourd’hui nous permettent de contrôler beaucoup plus la profondeur de champ que les petits appareils à capteur plus anciens. Voici quelques conseils pour utiliser la profondeur de champ comme outil créatif.

Lorsque la vidéo reflex numérique a explosé sur la scène du cinéma indépendant il y a une décennie, les festivals de films ont rapidement été inondés de courts métrages aux arrière-plans ultra-flous. Maintenant que nous avons une certaine distance avec cette première nouveauté de la cinématographie à grand capteur, nous pouvons réfléchir plus intelligemment à la façon dont la profondeur de champ – qu’elle soit peu profonde ou profonde – est la mieux utilisée pour raconter nos histoires.

Tout d’abord, récapitulons les bases. La profondeur de champ est la distance entre les points les plus proches et les plus éloignés de la caméra qui sont au point. Plus la profondeur de champ est petite, moins le sujet doit se déplacer avant de se focaliser, et plus les objets d’arrière-plan et de premier plan apparaissent flous. D’autre part, une très grande profondeur de champ peut rendre tout, du premier plan à l’infini, d’une netteté acceptable.

Comment la profondeur de champ est-elle affectée?

La profondeur de champ est affectée par quatre facteurs : la taille du capteur (ou du film), la distance focale (c’est-à-dire la longueur de l’objectif), la distance focale et l’ouverture. À l’époque des petits capteurs Mini-DV, un réalisateur me demandait souvent de zoomer (augmenter la distance focale) pour diminuer la profondeur de champ, mais parfois cela était contre-productif car cela signifiait éloigner physiquement la caméra, augmentant ainsi la distance focale, augmentant ainsi la profondeur de champ.

Ce sont les grands capteurs de 35 mm des reflex numériques, comparés aux puces plus petites de 1/3 ”ou 2/3” des caméras vidéo traditionnelles, qui les ont rendus si populaires auprès des cinéastes. Soudain, la faible profondeur de champ vue dans un film Super-35 pourrait être atteinte avec un micro-budget. Il convient cependant de noter pour les puristes qu’un capteur plus grand permet techniquement une profondeur de champ plus profonde. La profondeur de champ moins profonde associée aux capteurs plus grands est en fait le produit de lentilles plus longues nécessaires pour obtenir le même champ de vision.

Une fois qu’une caméra est sélectionnée et que le tournage est en cours, l’ouverture est le principal outil que les DPs ont tendance à utiliser pour contrôler la profondeur de champ. Une petite ouverture (grand nombre f ou T) donne une grande profondeur de champ; une grande ouverture (petit nombre f ou T) donne une profondeur de champ étroite. Ce que tous ces premiers cinéastes DSLR, très bokeh, n’ont pas remarqué, c’est que aperture est, et a toujours été, un choix créatif. De nombreux réalisateurs et DPS à travers l’histoire du cinéma ont choisi de se concentrer profondément lorsqu’ils ont estimé que c’était la meilleure façon de raconter leur histoire particulière.

Raconter une histoire avec profondeur de champ

Le Jean-Baptiste saga a utilisé une profondeur de champ très profonde tout au long.

L’un des films les plus célèbres est Citizen Kane de 1941, souvent élu le plus grand film jamais réalisé. Orson Welles, le metteur en scène pour la première fois, est issu d’un milieu théâtral et a demandé au DP Gregg Toland de tout garder au point afin que le public puisse choisir ce qu’il doit regarder comme il le peut dans un théâtre. « Et s’ils ne regardent pas ce qu’ils sont censés regarder? »On a apparemment demandé à Welles.  » Si cela se produisait, je serais un très mauvais réalisateur « , a-t-il répondu.

Stanley Kubrick aimait aussi les arrière-plans nets. Les fameuses lentilles f / 0.7 de la NASA utilisées pour les scènes aux chandelles de Barry Lyndon étaient une exception rare et extrême due à la nécessité d’une faible luminosité. Un plan typique de Kubrick a une composition formelle et symétrique avec une perspective en un point et tout est mis au point au loin. Prenons la caserne en Full Metal Jacket, par exemple, où les soldats d’arrière-plan sont aussi tranchants que ceux d’avant-plan. Comme Welles, les raisons de Kubrick ont peut-être résidé dans une volonté d’imiter des formes d’art traditionnelles, en l’occurrence des peintures, où rien n’est jamais flou. 

La trilogie Indiana Jones a été tournée à un arrêt étonnamment lent par le regretté et grand Douglas Slocombe. “Je préfère travailler dans la plage d’ouverture de T14-T14.5 lorsque je tourne un film anamorphique comme Raiders”, a-t-il déclaré à l’époque. « La sensation de profondeur a contribué au look. »Janusz Kamiński a poursuivi ce regard profond, tirant sur T8-T11 lorsqu’il a hérité de la franchise pour Kingdom of the Crystal Skull.

À l’autre extrémité de l’échelle d’ouverture, la série Hulu actuelle The Handmaid’s Tale fait un grand usage créatif d’une faible profondeur de champ, créant un monde privé pour le protagoniste opprimé qui travaille en tandem avec des voix off pour mettre le spectateur dans sa tête, le seul endroit où elle est libre.

Un réalisateur du nom de James Reynolds avait une idée similaire en tête lorsque j’ai tourné son court métrage Exile Incessant. Il voulait photographier des personnages fermés d’esprit avec une mise au point superficielle, et montrer les personnages les plus tolérants dans une mise au point profonde, symbolisant leur ouverture et leur connexion avec le monde. (Malheureusement, le petit budget d’éclairage rendait la mise au point en profondeur impossible, nous avons donc atteint le symbolisme en variant la dureté de l’éclairage.)

Une production où j’ai fait varier la profondeur de champ était Ren: The Girl with the Mark, où j’ai choisi f / 4 comme arrêt de travail standard, mais je l’ai réduit à aussi peu que f / 1.4 lorsque le personnage principal se liait avec l’esprit mystérieux en elle. C’était encore le même principe de séparer le sujet du monde qui l’entourait.

La profondeur de champ est un outil créatif fantastique, et sur lequel nous avons la chance d’avoir autant de contrôle avec les caméras d’aujourd’hui. Mais il sera toujours plus efficace lorsqu’il est utilisé de manière expressive, pas seulement esthétique.